Ad assumere questa attitudine controcorrente è stato, una ventina d’anni fa, Germano Beringheli – decano (non semplicemente in senso anagrafico) della critica d’arte genovese – intraprendendo la ricerca che doveva portare, nel 1991, alla pubblicazione del suo “Dizionario degli artisti liguri: pittori, scultori, ceramisti, incisori dell’Ottocento e del Novecento”.

La sua scelta ha ottenuto da subito un riconoscimento confermato nel tempo, facendo del volume un long seller giunto ormai alla quarta edizione (De Ferrari, 440 pagine, 26 euro) in versione sensibilmente accresciuta e concentrata ormai unicamente sul secolo scorso, giunto frattanto a compimento.

Con le sue 1.448 voci, da Niccolò Accame, giovane scultore pietrese, a Delia Zucchi, ceramista di Savona – passando per figure note come Aurelio Caminati, Claudio Costa, Agenore Fabbri, Farfa, Giannetto Fieschi, Emanuele Luzzati, Arturo Martini, Plinio Mesciulam, Martino Oberto, Emilio Scanavino, Tullio d’Albisola – il Dizionario traccia una mappa minuziosa dell’arte ligure, la cui utilità si rivela ancor maggiore a motivo della mancanza, in sede storica, di un panorama complessivo delle vicende che l’hanno animata, ricostruito sino ad ora solo per tagli disciplinari, quali il terzo volume della “Storia della scultura in Liguria” curata da Franco Sborgi, o per sezioni cronologiche, imperniate per lo più sugli svolgimenti genovesi, rappresentate dagli studi di Gianfranco Bruno sulla pittura primonovecentesca o dai contributi riuniti nel catalogo della mostra “Attraversare Genova. Percorsi e linguaggi internazionali del contemporaneo. Anni ‘60-’70″ curata da Sandra Solimano per il Museo di Villa Croce nel 2004.
Basato sulla documentazione raccolta in oltre un sessantennio di esercizio critico, svolto principalmente attraverso la rubrica “Forme e colori”, tenuta a partire fra il 1952 ed il 2001 sulla storica testata de Il Lavoro, e poi sul Secolo XIX, il “Dizionario” si presenta come ‘un gigantesco work in progress, agile nonostante la mole, per la concisione delle singole schede, pur ricche di informazioni e di riferimenti curriculari e bibliografici, con cui l’autore, come scrive nella prefazione, “ambisce dar conto di quegli operatori che, nella nostra regione, sono risultati protagonisti dell’invenzione artistica degli ultimi cento anni”. Un cantiere, questo di Beringheli, in dinamica espansione sotto il profilo del repertorio archivi¬stico, suscettibile di qualche ulteriore inserimento (quello, ad esempio, di alcuni membri del gruppo di giovani “neoconcettuali” degli anni’90, come Luca Vitone, Roberto Costantino, Formento-Sossella) e forse proficuamente integrabile, in futuro, con voci dedicate alle diramazioni liguri dei movimenti attivi in campo nazionale ed internazionale.
Ma fecondo, nel contempo, di iniziative anche sul piano “militante”, come prova la mostra “Savona Novecento. Un secolo di pittura, scultura e ceramica”, allestita con Riccardo Zelatore alla Fortezza del Priamar sul finire del 2008.

Sandro Ricaldone (Il Secolo XIX – 30 novembre 2009)

Con questo termine si intendono le piccole produzioni di artisti, da soli o in piccoli gruppi, con caratteristiche di unicità e seguiti interamente nella produzione dall’artista.

Nella casa novecentesca di Billing Place a Londra, possiamo ammirare i lavori di Lucie Rie e Hans Coper, Ian Godfrey, Jim Malone e numerosi altri.

Mi piace l’idea di poter ammirare l’arte in un’ambiente che sia completamente diverso da quello asettico di una galleria, sopratutto quando riguarda una collezione privata, nelle stanze si respira viva l’emozione che queste opere hanno generato e ancora generano.

La straordinaria stagione della ceramica e della grafica futuriste verrà analizzata mettendo in rilievo come, attraverso le sue peculiari e innovative sperimentazioni linguistiche e iconografiche, queste specifiche ricerche contribuirono alla diffusione di messaggi pubblicitari e alla celebrazione di quei motivi propagandistici che, peraltro, la retorica del regime elaborò in parte attraverso gli stessi modelli poetici del movimento futurista.

L’esposizione, oltre a documentare in maniera originale la molteplicità delle esperienze formali che si svilupparono in questo ambito di ricerca, rappresenta un momento di riflessione sulle dinamiche espressive di quella sottile linea di demarcazione che separa la persuasione pubblicitaria e la propaganda politica, a cui i principali esponenti del movimento adattarono i temi precipui della loro originaria poetica: il culto della velocità e della modernità, dell’aggressività e della guerra, l’idolatria della macchina, l’ideale di un uomo nuovo, sportivo e ardimentoso.

Non a caso la mostra si svolge a Genova. La Liguria giocò, infatti, un ruolo di primo piano nell’avventura della ceramica futurista.

Se è vero che esempi di ceramica futurista vennero prodotti a Faenza negli anni Dieci, una vera produzione fu per così dire istituzionalizzata solo intorno al 1927 all’interno della Casa Giuseppe Mazzotti di Albisola, diretta dal celebre Tullio che nel 1938 firmò con F.T. Marinetti il manifesto Ceramica e aeropittura.

Accanto al primato abisolese con opere degli artisti più noti (Nicolay Diulgheroff, Farfa, Fillia, Tato, Alf Gaudenzi, Giovanni Acquaviva e lo stesso Tullio), la mostra propone anche esperienze che, pur non potendo essere definite futuriste, presentano tangenze, soprattutto linguistiche, con le creazioni del movimento marinettiano.

Come certa produzione delle Ceramiche Rometti di Umbertide (Perugia), nel momento in cui vi fu attivo un artista del calibro di Corrado Cagli, o quella poco conosciuta della FACI (Fabbrica Artistica Ceramiche Italiane) di Civita Castellana nel viterbese.

Relativamente alla grafica, compaiono, oltre agli artisti già citati, i nomi di Fortunato Depero e Tullio Crali, mentre alcune opere rappresentano l’inizio dell’immagine promozionale coordinata per prodotti e aziende di livello nazionale, come Fernet Branca, Amaro Cora, Campari e Cinzano.

A partire da questa materia in movimento, avendo per supporto ludico i corpi viventi dei due artisti, personaggi a volte seri e più spesso burleschi, emerge un susseguirsi di quadri in costante trasformazione.

La performance rende così visibile il ruolo del gesto, così essenziale al pittore e il lavoro vivente della materia, sfigurata, trasfigurata, quasi un ritorno alle forme arcaiche che evocano l’arte rupestre, sovrapposizioni di strati successivi fino a che i corpi progressivamente scompaiono come assorbiti dall’argilla, lasciando spazio a un’opera ogni sera differente, votata alla sparizione.